jueves, 18 de septiembre de 2014

Entrevista a MODEST MIDGET

Modest Midget - Foto de Thomas Heere
Modest Midget es una banda holandesa que desde hace algunos años está publicando música original, vitalista y fresca. Liderados por Lionel (Lonny) Ziblat, compositor y fundador de la banda, Modest Midget parece haber condensado las más variadas influencias musicales en un resultado final que no puede dejarte indiferente. Como ellos gustan de decir, es como crear una ensalada utilizando ingredientes que a priori parecen incompatibles y, sin embargo, todos juntos resultan sabrosos al paladar. De esta inusual mezcla de sabores surge una música sincera, muy imaginativa, directa, sorprendente y extraña, maravillosamente construida y llena de encanto, muy bien ejecutada por competentes músicos. Además de Lonny (guitarras y voces) Modest Midget está formado actualmente por Maarten Bakker (bajo), Willen Smid (batería) y Tristan Hupe (teclados).  Desde sus primeras giras allá por 2.009, la banda ha conseguido atraer la atención de la crítica especializada por la brillantez de sus composiciones y por la enorme originalidad de sus planteamientos musicales. Considerados como el eslabón perdido entre Frank Zappa y The Beatles, Modest Midget ha atraído la atención entre los seguidores del pop/rock progresivo y demás inconformistas de la música. En 2010 publicaron su primer álbum, The Great prophecy of a small man, que fue toda una declaración de intenciones y que cosechó un gran éxito. Y a finales de este mes - concretamente, el día 28 - se publica su próximo álbum, Crysis, que está provocando también una gran expectación.

Modest Midget nos ha ofrecido una entrevista por boca del propio Lonny Ziblat, quien domina el español y nos ha respondido en nuestro idioma. Tendremos ocasión de hablar con él de sus influencias, sus percepciones de la música, su nuevo álbum... una entrevista que no os defraudará, al igual que su música, especialmente a quienes están cansados de las propuestas de siempre y buscan nuevos enfoques en la música. En primer lugar podemos ver el video-clip de Birth, incluido en Crysis. Y al final de la entrevista, podemos escuchar más canciones, también tenéis toda la información en su página web oficial.






1.- ¿Cómo nació Modest Midget?

La banda fue idea mía. Durante mis estudios en el conservatorio estuve enfocado más que nada en la composición, más concretamente dentro de la tradición clásica. Fue una delicia poder componer partituras complejas, pero al mismo tiempo me faltaba la capacidad que se encuentra entre músicos de rock, jazz y folklore, que tienen un ´swing´ y una sensación rítmica precisa y natural. En esos años se me fue juntando una pila de ideas que mezclaban las dos capacidades, y que solo podrían ser ejecutadas por músicos de rock que fueran capaces de leer e interpretar partes desafiantes. Se me hizo bien claro que sería muy difícil encontrar los músicos que necesitaba, y por eso sólo al terminar mis estudios me puse a grabar esas ideas con invitados de distintas disciplinas musicales, y sin planes concretos de armar una banda. Después de casi cinco años resultó en mi primera producción, bajo el titulo de una banda virtual llamada Modest Midget. 'The Great Prophecy of a Small Man´ fue muy bien recibido, mas que nada dentro de los círculos del Prog. Cuando estaba por terminar el disco me picaban los dedos y surgieron las ganas de tratar de encontrar músicos para ejecutarlo en vivo. Fue bastante complicado pero al final logre armar un grupo con quienes hicimos una primera gira en Holanda entre el 2009 y el 2010.

Modest Midget en 2009/2010. Foto: Florine Wiers
2.- En vuestra música se aprecian muchas y variadas influencias... ¿A qué se debe?

Como casi todo lo que grabamos es mi propia música este tema es mi propia culpa también. Me gusta mucho la variedad y no me gusta discriminar entre distintos estilos. Lo que cuenta más que nada para mi es la energía, la calidad y la autenticidad de una obra, y eso me resulta más importante que el género. Uno de mis artistas favoritos es el brasileño Chico Buarque que compone canciones geniales y trabaja siempre con arreglistas de la mejor calidad y creatividad. Siempre me gustó la variedad de estilos en sus álbumes. Para mí él es tal vez el modelo mas importante en este sentido, pero la verdad es que todos los artistas que más me gustaban siempre tenían una mente abierta para apreciar y disfrutar de varios estilos. Más que natural me resulta esencial para alimentar la inspiración.

3.- La crítica os considera el "eslabón perdido entre The Beatles y Frank Zappa". ¿Que opinais?

Como los Beatles no son un prototipo del Homo Habilis y Frank Zappa no representa el Cro Magnon, esta frase me suena ridícula. Por otra parte confieso que nos apoyó bastante para la promoción de nuestros shows, y llegar a atraer publico adecuado. Así que la veo más que nada como una frase que tiene un buen valor de marketing. Yo crecí admirando a los Beatles y por varios motivos aprendí un montón de Zappa también, pero lo mismo se podría decir también de Chick Corea, de Stravinsky, Ravel o de Piazzolla.

4.- ¿En qué te inspiras para componer tu música?

Normalmente las mejores ideas aparecen cuando estoy feliz. Tan simple es. Pero sinceramente en el caso de este último álbum hubo un elemento de inquietud y presión que no me permitieron ese lujo. De todos modos mientras estoy trabajando, cuando ya surgen las buenas ideas, siento buenas energías que me facilitan el trabajo.

Neerkant, Holanda, 2012 - Foto: Maartje Kuipers
5.- ¿Estudio o escenario?

¿En que sentido? No me parece relevante comparar entre los dos como si uno de ellos es mejor que el otro. Cada uno tiene sus calidades. La producción de Crysis es bastante compleja, y me encantan las posibilidades que permite una grabación. Como ya tengo raíces en la composición clásica varias veces al componer un tema no solo oigo los acordes y la melodía sino también precisamente las partes de la batería y del bajo, aparte de la combinación de las frases melódicas de cada instrumento. Siendo productor también, al componer ya imagino el ambiente virtual completo, la acústica, y si hace falta, los efectos también. En los shows juegan un papel otros elementos: la acústica local, el ambiente y obviamente la onda con el público. En este sentido me gustan mucho los shows que doy como solista con mi repertorio más intimo. No hay nada que se compare con el contacto con el público, más que nada en salas íntimas.

6.- Hablemos de vuestro próximo y esperado álbum, "Crysis", ¿Como os sentis, después de haberlo finalizado?

Estamos todos muy contentos con el resultado. Trabajamos muy duro todos, y pasamos momentos duros, pero valió la pena. Hasta Tristan (el teclista) que ha tomado la decisión de dejar la banda durante las grabaciones, estuvo muy conmovido al oír el producto final.

7.- Modest Midget también es una banda que responde a los tiempos actuales. ¿Está cambiando la música? ¿Consideráis que está perdiendo su esencia? Y si es así, ¿que solución hay?

No hay duda de que lo que se llama la ´industria musical´ esta pasando grandes cambios, pero al mismo tiempo vamos cambiando todos como seres humanos. Por un lado tenemos aparatos y facilidades que nos permiten y facilitan hacer música, grabar e intercambiarla en un instante y en varios formatos y lugares. El problema es que esa misma tecnología que facilita comunicar con todo el mundo en un instante resulta en que la gente se protege más contra el constante bombardeo de información. Por primera vez en la historia tenemos acceso a más gente e información de lo que somos capaces de absorber.

En este ambiente, noto que cuando la gente llegan a oír un nuevo tema, por la tentación de estos aparatos y por falta de tiempo lo hacen al mismo tiempo de leer o escribir, o sea: Hacen ´multi-tasking´ y no tengo la menor duda de que se pierde algo muy valioso en la experiencia de leer un texto en silencio o de escuchar algo con atención completa. En principio las primeras victimas parecen ser los artistas que intentan hacer trabajos mas delicados y detallados. Pero en realidad nos influye a todos. Tenemos la ilusión de que somos más capaces y más eficientes pero en mi opinión la calidad espiritual de cómo convivimos la música ha deteriorado. No quisiera pretender saber la solución, pero ojalá en algún momento logremos todos sentir de alguna forma la necesidad de volver a tomar las cosas mas en calma, y valorar los mas sencillos momentos de la vida, prestando por ejemplo más atención a los detalles, a respirar, y a convivir la música con la misma pureza que sinceramente creo que hemos disfrutado en el pasado. ¿Como lo logramos? ¿Meditando tal vez? De verdad, no lo sé.

8.- Además del lanzamiento de vuestro nuevo disco, ¿tenéis otros proyectos a corto plazo?

Yo estoy trabajando sobre un álbum mas íntimo, y otro con obras musicales medio cinematográficas. También sigo componiendo para cine, algo que me agrada mucho hacer. Maarten está tambien grabando un álbum como solista. Acerca de Modest, probablemente dentro poco saldran uno o dos video-clips más relacionados con el álbum. Todavía no tenemos planes concretos para salir de gira. El momento adecuado seguramente se presentará.

9.- ¿Que música escucháis en casa?

Como lo que hago mas que nada es música, no me sale escuchar mucho para recreación. Creo que lo mismo pasa con Maarten y con Willem. Recibo regularmente música de colegas que están trabajando o están por publicar algo. Me encargan arreglos para distintos conjuntos y ensembles que impiden conocer nueva música. Me resulta útil escuchar alguna banda sonora u obras clásicas que me enriquecen el conocimiento. De ves en cuando intento escuchar y tocar Jazz que es bastante útil para los dedos, e intento practicar el piano. Me estoy dando cuenta que mi respuesta suena poco loca pero de verdad la música es mucho mas que un hobby para mi y cuando tengo tiempo para relajar termino leyendo un buen libro o viendo una película.

10.- ¿Algo más que declarar?

Ademas del grupo de músicos fenomenales que participaron en las grabaciones, los técnicos de grabación y masterización, y todos los amigos que echaron una mano, vale mencionar que el cd llega con un librito de 24 páginas diseñado delicadamente y con mucho talento por Netaly Reshef. Siento que forma parte integral y sin duda eleva a la música hacia una experiencia completa. Esperamos que disfruten los frutos de nuestro trabajo.

Muchas gracias a Lonny y al resto de la banda por su presencia en el Búnker. Os invitamos a que escucheis más música aquí:






lunes, 8 de septiembre de 2014

Entrevista a URANIAN

Fue una grata sorpresa escuchar La Ciudad de los Sueños, álbum de debut de la banda argentina de metal progresivo Uranian, banda que tan sólo con este álbum ya se ha posicionado en la escena del prog sudamericano como una de las formaciones más punteras e importantes. Una vez que has escuchado este trabajo comprendes el porqué de la expectación y buenas críticas que has suscitado Uranian: músicos de gran talento que publican música soberbiamente ejecutada, poderosa y energética. Influencias de Dream Theater, Spock's Beard o Liquid Tension Experiment, aunque Uranian aporta al progresivo una fusión que abarca otras perspectivas, desde las vertientes más sinfónicas del heavy metal hasta otros elementos más insospechados como el propio folklore argentino, fusión que la banda sabe adaptar e incorporar a la música con indudable talento. Cuatro músicos que dominan sus instrumentos (la banda está formada actualmente por Fabián Castilla, teclados; Sebastián Accordino, batería; Marcos Mayer, bajo; Federico Larrosa, guitarras). En 2011 publicaron La Ciudad de los Sueños, alcanzando un notable éxito y convirtiéndose en una de las bandas más prometedoras de la esfera del neo-prog. Este álbum es un excelente ejercicio musical, repleto de grandes composiciones instrumentales, muy bien arreglado, producido e interpretado... No en vano Uranian ha participado en importantes festivales especializados como La Plata Prog o el Lima Fest, consolidándose como una banda a tener definitivamente en cuenta. Es una gran noticia que estén trabajando en el próximo trabajo, que sin duda esperaremos con gran interés. Uranian nos ha concedido una entrevista, que os presentamos a continuación. Os invito a que, entretanto, escuchéis La Ciudad de los Sueños... Un poco más abajo podremos escuchar un tema perteneciente a su próximo álbum. También tenéis más información en su página web.





1.- ¿Cómo surgió Uranian?

Uranian nace a mediados del 2006 cuando nos conocemos con Federico, decidimos empezar a trabajar sobre el proyecto de rock progresivo instrumental; después que tuvimos tres temas salimos a buscar el resto de los músicos, nuestra primer presentación en vivo en diciembre del 2007 que es la fecha que tomamos como el nacimiento del proyecto, cuando realmente dio a la luz.

2.- Influencias de LTE, Dream Theatre o Spock's Beard... ¿Añadiríais alguna otra influencia?

Las influencias siempre es un tema por que puede ser muy variada uno puede tener varias bandas que te marquen en tu forma compositiva pero creo que cada uno tiene que tratar de alejarse para dejar aflorar algo autentico, de cualquier manera uno se nutre de lo que escucha y en las bandas instrumentales, uno tiene que tratar de mantener la atención para que suene fresco.

3.- Hay también en vuestra música interesantes referencias al folklore argentino. ¿Cómo surgió esta idea?

En realidad se empezó a trabajar sobre el concepto como una forma de alejarse de algo que suene a ya escuchado y tratar de darle algo más autóctono al estilo, cuando empezamos a difundir nuestra música antes de que saliera el cd muchos de los que trabajan en radios o en algunos medios nos alentaron a seguir por ese camino y que tratáramos de reforzarlo para que marcara la diferencia, de cualquier manera vamos probando dentro de los temas pero sin forzarlo por que lo peor que se puede hacer es tratar de que todas maneras quede algo que no tiene nada ver con la canción.

4.- Habeis participado en importantes eventos como La Plata Prog o el Lima Prog Fest. ¿Cómo fue vuestra experiencia en estos grandes festivales?

Creo que los festivales son un gran aporte para mostrar una gran variedad de espectros dentro del estilo es lo que te da una pauta de que esto es mucho mas grande, nos sentimos muy orgullosos de poder participar en estos eventos ya que te ayuda a comparar experiencias con otros músicos de distintas parte del mundo, también es un punto de encuentro con todos los que trabajan para mantener el movimiento en pie que no son solo los músicos sino los que difunden, organizan o aportan su granito de arena para que esto siga creciendo.

5.- Vuestro primer álbum, "La Ciudad de los Sueños", alcanzó un notable éxito. ¿Cómo os sentís con respecto a este trabajo, pasado este tiempo?

La Ciudad de los Sueños es un trabajo que nos ayudó a cambiar la percepción de donde estábamos posicionados en realidad fue hecho pensando en ver el alcance que tenia nuestra música en Capital Federal; estamos lejos de los circuitos porque vivimos en Bahia Blanca, una ciudad del interior de la provincia, muchos ya nos habían augurado muchas buenas repercusiones en el extranjero pero uno se sigue sorprendiendo que sea difundido en tantas partes del mundo, también un gran honor que quedó dentro de los cien cd editados en el 2011 en Prog Archives.

6.- Estais trabajando en un nuevo álbum. ¿Podéis anticiparnos algo?

Si, ya estamos terminado de componer lo que sera nuestro próximo cd , ya grabamos un par de temas para ver si nos sentíamos cómodos con el resultado y los mostramos para que nos den algunas opiniones, también estamos viendo si hay alguna posibilidad de editarlo con alguna compañía discográfica ya que el anterior salió en forma independiente.

7.- ¿Qué opinión tenéis del actual panorama del neoprogresivo en Argentina?

La Argentina esta retomando la variedad dentro del estilo, creo que estuvo muchos años estancado por otros temas que no se deben a la música en si, sino a la situación económica por un lado, la falta de lugares que tuvimos porque cerraron la mayoría por un problema que hubo con un local que se incendió hace unos años, creo que ahora esta aflorando una nueva generación de grupos y las bandas legendarias volvieron a sacar cd, y los festivales abrieron muchas puertas ya que si no nos juntábamos no se podía crecer.


Uranian - Sula (perteneciente a su próximo álbum)

8.- ¿En qué os inspirais para componer vuestros temas?

La ciudad de los sueños fue compuesto casi por completo por Federico y después arreglamos en los ensayos los arreglos, al principio iba a ser conceptual pero después decidimos que quedaría muy largo; sacamos algunas canciones y modificamos otras para el estudio, son trabajos totalmente diferentes de pensar, esta segunda etapa estamos trabajando las canciones más en el ensayo sobre alguna idea y tratando de desarrollarla a veces se avanza, otras veces volvemos a empezar.

9.- ¿Algo más que declarar?

Bueno, muchas gracias por el espacio, el movimiento crece si hay personas capacitadas e interesadas como vos en difundir música independiente, para nosotros es muy importante todo el aporte que nos dan, y también agradecer a todos los que van a ver espectáculos, compran cd y se interesan por lo que no es masivo, por todo esto el arte sigue con vida.



Muchas gracias a vosotros por vuestra presencia en el Búnker. Para terminar, veamos un vídeo de uno de sus conciertos, concretamente un tema interpretado en el Festival La Plata Prog, el 9 de noviembre de 2013.








miércoles, 9 de julio de 2014

Jason Becker o el poder de la Música

Siempre he pensado que los seres humanos somos capaces de lo mejor y de lo peor. Por suerte, cuando la pasión humana se centra en alguna de las artes, invariablemente surge lo mejor de nosotros. Historias hay de hombres y mujeres que, privados de su pasión en un primer momento, luchan hasta el final para recuperar aquella pasión... pasión que nunca pierden, pues está siempre dentro de ellos. Venciendo todas las adversidades, su fuerza de voluntad y su valentía les permiten seguir adelante. Como la historia de Jason Becker.

Muchas gracias, Nieves, por sugerirme este artículo...









Dentro de pocos días, Jason Becker cumplirá cuarenta y cinco años. Esto no parece muy importante, pero sí tenemos en cuenta que según la Medicina debía haber muerto hace dos décadas, víctima de la esclerosis lateral amiotrófica (ELA, o enfermedad de Lou Gherig), la cuestión si reviste importancia. A Jason Becker le diagnosticaron esta enfermedad paralizante con fatal desenlace al cumplir los veinte, cuando ya había comenzado una muy prometedora carrera como guitarrista y compositor, concretamente dentro del heavy metal (o, si se quiere, metal neoclásico), en su vertiente instrumental. Jason había nacido y crecido en California, en el seno de una familia de guitarristas (su padre y su tío lo eran). Ya desde muy joven, y de manera autodidacta, se encomendó en cuerpo y alma a mejorar su técnica. Al poco tiempo conocería a Marty Friedman, que a la postre se convertiría en su inseparable amigo, en la fortuna y en la adversidad. Juntos crearon Cacophony, banda dedicada al speed metal, cuyos cimientos ya marcaban la orientación musical que después seguiría Jason: virtuosismo en las guitarras, pasión por las armonías clásicas (especialmente barrocas, al estilo de Yngwie J. Malmsteen), escalas exóticas y sonido metalero, junto con otras esencias, como el blues. Cacophony se disolvió al publicar su segundo álbum. Fue una banda muy apreciada por un público underground pendiente de la futura carrera de estos dos virtuosos.





Jason continuó su camino entrando a formar parte, en 1.988, de la banda de David Lee Roth, quien tras la marcha de Steve Vai andaba buscando un guitarrista. Fue este un gran logro de Jason, pues el puesto era muy codiciado, al mismo tiempo que muy arriesgado; se trataba de sustituir al propio Vai.  En aquel mismo año publica Perpetual Burn, su primer trabajo como solista, que continúa ese gusto por las armonías barrocas y que contiene espléndidas ejecuciones a la guitarra. Un álbum muy apreciado también, que prometía ser el primero de una serie de álbumes de una estrella del metal. Un año después comenzó a quejarse del entumecimiento en sus piernas y de una cojera que él llamaba "perezosa". Los médicos le diagnosticaron ELA, junto con el pronóstico de su esperanza de vida: tres años.


Es de imaginar el impacto tan demoledor que esta noticia tendría en Jason, al igual que para cualquier otra persona en su lugar. Con el tiempo tuvo que ver cómo sus facultades para la ejecución en la guitarra mermaban progresivamente hasta desaparecer. Como sucede en todos estos fatídicos casos, Jason Becker acabó postrado, inmovilizado, con la excepción de sus ojos. Pero no todo estaba perdido. Aquí entra en juego su gran pasión: la Música. Retirado ya en su casa, con su familia, Jason comienza a utilizar un sistema informático adaptado para poder comunicarse con los ojos. Así, aprende a utilizarlo para seguir componiendo música. Gracias a las manos y el talento de su amigo Michael L. Firkins, que interpretó las partes para guitarra por el propio Jason, su música de nuevo cobró vida. A esta nueva etapa pertenece el álbum Perspectives (1.996). En él aparece solo una canción tocada por Jason en su momento; el resto de los temas fue compuesto por él con los ojos... Un poco después publicaría otros dos álbumes más.

En 2012 se publicó un documental sobre su vida, música y circunstancias, irónicamente titulado Jason Becker: Not Dead Yet (Jason Becker: Todavía no muerto). Una película que ha cosechado muchos premios, menciones y excelentes críticas. Realiza un profundo y emotivo recorrido por la carrera de este músico. Podeis ver la película on line y subtitulada, en este enlace. Si no tenéis tiempo para verla ahora, aquí os dejo el trailer - también subtitulado - de esta interesante película.






martes, 1 de julio de 2014

Las mejores canciones de la historia

El otro día escuché un programa de radio de una conocida emisora española en el que pedían a sus oyentes que llamaran y les dieran su opinión sobre - nada menos - las mejores canciones de la historia. No las canciones favoritas, sino las mejores canciones. El programa fue muy ameno, no sólo por la música, sino también, y especialmente, por las razones con que los oyentes justificaban su elección. Lo primero que saltaba a la vista (o al oído) fue que el público elegía sus canciones atendiendo a criterios puramente emocionales - verbigracia, en el 87 sonó aquella canción, aquel verano en que conocí a la Jenara, o a Blas, según el caso -. Está claro que en la elección de la música intervienen factores emocionales. Así que me puse a meditar acerca de ello. ¿Hay alguna manera de desligar las emociones de los aspectos estrictamente estéticos? ¿Es posible crear una clasificación que contenga, de manera objetiva, las mejores canciones de la historia?

Entendámonos, no se trata de crear una abúlica lista de canciones, como aquellos rankings de los mejores guitarristas que sitúan a Jimi Hendrix en el primer puesto por desidia y/o convencionalismo. Tampoco podemos acudir a criterios tales como las ventas de discos, la difusión radiofónica o las listas de éxitos, ya que estos datos son manipulados a conveniencia y sobre todo, porque hay superventas que son auténticos bodrios, y no cito ejemplos para no herir susceptibilidades (no vaya a ser que Four Non Blondes lean ésto). Si atendemos a criterios tales como la calidad de la música o la estética también habrá una importante carga subjetiva, pero al menos ya estamos fijando unos baremos, digamos, que pueden ser universalmente aceptados por el común de los mortales. La calidad de la producción, los músicos, los vocalistas, etc., es un aspecto que distingue unos trabajos de otros. La destreza de un batería como Steve Gadd, por ejemplo, imprimirá muchos más matices en una canción que una máquina de ritmos. Y la resonancia de los instrumentos acústicos dará calidez y una vibración distinta a meras imitaciones electrónicas, si bien hay creaciones electrónicas que por su talento y calidad están en la cima de la música, dentro de su género.

Además de los criterios técnicos podemos aplicar otros, como la comercialidad, no en el sentido antes apuntado de cifras de ventas, sino en el sentido de lo que los anglosajones llaman "the hook", es decir, el gancho, aquella cualidad que hace de una canción especialmente atractiva a los oídos de quien la escucha. Una cualidad muy valiosa que no hace simplemente referencia a estribillos pegadizos - que también -, sino a aquella gracia, aquella elegancia o buen gusto que nace de momentos de inspiración explosiva, algo difícil de definir pero fácil de captar, aquello que hace una canción especial y la distingue de las demás. Está claro que una cualidad tan indefinible también debe ser algo subjetivo. Pero esto también alcanza a otros aspectos más objetivos, como los arreglos y la producción musical en general.

Creo que también es importante citar como fundamento de las mejores canciones a la inflluencia que una determinada canción imprime en otras que le siguen. No estoy hablando de la trayectoria de tal o cual artista, sino de la huella sonora que una simple canción puede dejar, bien iniciando un nuevo y fructífero género o subgénero musical (siempre y cuando no se trate de una simple y burda operación de márketing, me acaban de confirmar que Four Non Blondes no están leyendo este artículo), bien influyendo en otros artistas aunque no estén directamente emparentados con la canción origen. Esto es especialmente meritorio, pues también requiere una carga de genialidad en el compositor y en los intérpretes. Este criterio estaría a medio camino entre lo objetivo y lo subjetivo, tal vez más en el ámbito de lo que puede ser apreciado con independencia de las emociones o el juicio personal. 

De modo que, si tenemos en cuenta todos estos aspectos, tanto objetivos como subjetivos y los utilizamos para la búsqueda de canciones, seguramente obtendremos un nutrido grupo de joyas, todas ellas excelentes, únicas, especiales. Pero... ¿las mejores? Yo tengo mi lista particular de canciones, como cualquier persona que tenga un mínimo interés en lo musical. Renuncio a sentar cátedra, lógicamente, pues si mi lista coincide con la de otro aficionado a la música será por razones de probabilidad. Sin embargo, en mi lista cada una de las canciones reúne los criterios que he mencionado antes, fijando una calidad excepcional como criterio mínimo para ser consideradas como las mejores. Obviamente, si están en la lista es por un motivo subjetivo. En mi caso particular, mi requisito imprescindible es que una determinada canción me produzca las mismas emociones que me provocó la primera vez que la escuché, así hayan sido cientos de veces escuchadas, y durante años y años. Siempre me producen esa extraña emoción que eriza los pelos, te pone la piel de gallina, levanta escalofríos, te emociona y te abstrae. Esas canciones que nunca te cansas de escuchar, una y otra vez. Algo puramente subjetivo, pero siempre está bien detenerse un momento a pensar sobre estos grandes clásicos.

Esta es mi lista de canciones, no en orden de preferencia, pero sí en el orden en el que acudieron a mi cabeza. Ya os advierto que Beyoncé no está en ella. ¿Cual es la vuestra?


Queen - Bohemian Rhapsody


En un mundo imaginario en el que yo fuera emperador, impondría a mis súbditos Bohemian Rhapsody como mejor canción de la historia, se estudiaría en las escuelas y sería el himno mundial (¿dije mundial?¡Universal!). Quiero decir que, si bien no me atrevo a definirla como la mejor, si la imagino como aquella sobre la que podría haber más consenso. No se trata solamente de la excepcional inspiración de Freddie Mercury, sino también de la extraordinaria ejecución de todos los componentes de la banda - Queen es posiblemente el grupo más completo y de mayor calidad si atendemos a la calidad de cada uno de sus miembros, aunque esto es también una apreciación personal, y con permiso de The Beatles en el aspecto compositivo -. La producción es impecable, el acabado perfecto, la energía apabullante. Y además, ¿quién no ha gritado alguna vez Galileo Galileo Galileo Figaro magnificooooo!!!!? Pues eso.


Electric Light Orchestra - Mr. Blue Sky


Yo creo que el motivo fundamental por el que Jeff Lynne es uno de los músicos y compositores más infravalorados de la historia del rock es porque los críticos musicales, considerados en general, son muy prejuiciosos. A mi manera, y modestamente, yo también me considero crítico musical, y aunque también tendré prejuicios propios de una persona que vierte sus opiniones de manera pública o privada, siempre intento colocar a este genio a la altura que se merece. Votada por los británicos como una de las mejores (véanse las clasificaciones de la BBC), Mr Blue Sky es para mí la cima creativa de su compositor cuando se hallaba en el momento álgido de su inspiración. La gracia, la elegancia, el rabioso optimismo que contagia, su bella melodía, su exquisita producción, sus cuidados arreglos... La nave espacial más perfecta que pueda abducirte en un día soleado, sin nubes en el cielo, mientras todo el mundo juega en suaves y onduladas colinas de verde hierba y limoneros en flor.


The Beatles - Across The Universe


Este es uno de esos raros casos en los que la producción musical no juega un excesivo papel en el resultado final. La versión más conocida fue producida por Phil Spector quien, ya se sabe, tenía un gusto un tanto morboso por los coros y los violines en plan a Dios pongo por testigo. Aunque George Martin nos hubiera llevado seguramente por campos de fresas, hay que agradecer a la producción de Spector la virtud de que deja al desnudo la impresionante belleza de su melodía, sencilla, onírica, cósmica, llevada en volandas por los acordes, sinuosa, evocadora, inspiradora y emocionante. Aunque originalmente acreditada a Lennon y McCartney, lleva impresa la inconfundible marca de Lennon. McCartney es un compositor extraordinario, pero Lennon tenía esa chispa genial inimitable, un raro instinto que hacía de melodías sencillas como Across the Universe algo especial. Estanques de pena, olas de alegría a través del universo.


Depeche Mode - In Your Room


Si, los de Basildon también están en mi lista. Pienso que Martin Gore es uno de los más grandes genios de los últimos treinta años, y aunque el jodío lleva ya bastante tiempo sin escribir canciones realmente buenas - buenas dentro de su altísimo nivel -, ha escrito páginas absolutamente memorables en la escena del pop. In Your Room, incluída en Songs of Faith and Devotion, es una joya dentro de un tesoro, pues este álbum es excelente y tal vez su último gran disco. Martin Gore tiene la rara habilidad de combinar un elevado sentido estético de la melodía con un regusto barroco, refinado y ligeramente retorcido en sus composiciones, algo que le hace indiscutiblemente único. In Your Room reúne lo mejor de la esencia de su creador, y además tiene un plus energético, una tensión contenida que se desata liberando calor oscuro, vibraciones suavemente siniestras y escalofríos cada vez que invade las ondas. 


David Bowie - Space Oddity


Lamento decirlo, pero creo que David Bowie es un artista irregular. Capaz de alternar obras maestras de gran belleza con producciones pobres y poco inspiradas. Por fortuna, sus obras maestras brillan tan espléndidamente que podemos perdonarle sus traspiés sin mayor problema. Sobre todo cuando hablamos de Space Oddity, que da título también a su primer álbum, por cierto, absolutamente maravilloso. Una canción oscura y luminosa a la vez, con una melodía cantada como en una letanía y un hermoso estribillo que irrumpe inundando de rayos de sol la órbita de este planeta llamado rock. La conmovedora historia del astronauta perdido en el espacio que añora a su mujer. El inspirado rasgueo de guitarra acústica, los arreglos atmosféricos, las cuidadas voces, el ambiente melancólico. La ternura de su personaje, que flota en el espacio, sentado en una lata. Una maravilla.


Pink Floyd - Shine On You Crazy Diamond


Poco se puede añadir a lo que anteriormente se ha dicho sobre esta impresionante muestra del más puro rock espacial, punto culminante del rock progresivo, en mi opinión. Aunque bien pensado, no cabe duda de que esta legendaria música es hija de sus tiempos. Hoy en día, la idea de iniciar un álbum con ocho minutos instrumentales provocaría una apoplejía a cualquier ejecutivo de multinacional discográfica. Pero eran los tiempos de la creatividad y en cierto modo del "todo vale". Y al fin y al cabo, llevaban años haciendo lo que les daba la gana. Y esta libertad, bien entendida y dirigida con indudable talento, da como fruto esta maravilla. A nivel compositivo, creativo, artístico y de producción es ciertamente impecable, como si todos los elementos se hubieran conjuntado para alumbrar estos minutos de atmósferas deslumbrantes. Dominio absoluto de la expresión dramática en la música, letras brillantes y una construcción perfecta hacen de Shine on you crazy diamond, para mí, la obra cumbre del progresivo, al menos en su vertiente más... espacial.


Alan Parsons Project - Eye in the Sky


Formado en la privilegiada esfera de George Martin y Pink Floyd, Alan Parsons no requiere mayor presentación. Su excepcional talento como productor y músico se vio además favorecido por la elección de su viejo camarada Eric Woolfson, un antiguo contable, como compañero de viaje cuando emprendió Alan Parsons Project, banda con la que finalmente alcanzaría el reconocimiento popular, pues antes de esto ya era un reputadísimo ingeniero de sonido y músico en el ámbito de su profesión. Eye in the Sky, contenido en el álbum homónimo de la banda, responde plenamente a lo que antes me refería cuando hablaba del "hook", del gancho, de la capacidad decididamente comercial, de la calidad y cualidad de una canción que aglutina a millones de fans a su alrededor. En esta canción todo es perfecto. Todo está balanceado, todo responde a un plan. Y ese plan está dirigido a crear uno de los himnos pop por antonomasia, una canción que todavía hoy se escucha decenas de veces en las emisoras de todo el planeta. Ya sé que Four Non Blondes sonaron mucho en su época, pero ¿seguirán sonando en 2.040? Más de treinta años después, Eye in the Sky sigue asombrando por su brillo, su frescura, y especialmente por su inspiradísimo y genial estribillo. ¿Música para consumo de masas? Por supuesto. ¿Pop sin pretensiones? Pues claro. Pero el talento también se esconde en las melodías pop y en la radio fórmula. 


Kraftwerk - Radioactivity


No sé si Ralf Hütter y Florian Schneider previeron a finales de los 60, cuando formaban parte del grupo Organisation, que poco tiempo después se convertirían en Kraftwerk, una de las bandas más influyentes - si no la que más - en el ámbito de la música electrónica. Nacidos en el seno de la corriente genuinamente alemana conocida como Krautrock (rock repollo), Kraftwerk evolucionó de las vaporosas melodías para flauta a la frialdad de los sintetizadores, alcanzando  las más altas cotas en esta música tecnológica. Su mejor disco en mi opinión, Radioactivity, recoge esta canción del mismo nombre que encarna a la perfección el espíritu de estos alemanes. El inolvidable riff de sintetizador, los originales sonidos de percusión - creados por la banda a partir de instrumentos construídos por ellos mismos -, la atmósfera misteriosa y un tanto tétrica, el equilibrio y la construcción... Radioactivity supone un hito en el pop electrónico, y sirvió de inspiración - como el resto de la producción de esta banda - a muchas otras bandas que vinieron después, desde Depeche Mode a nuestros geniales Azul y Negro


Joan Manuel Serrat - Mediterráneo


Mediterráneo es una de esas raras gemas cuya música fluye con naturalidad y sencillez, con soltura y brillantez, fruto de la inspiración y el talento de quienes intervienen en ella. Para hacer eso es preciso ser un genio como Joan Manuel Serrat, que además contó con la dirección musical de otros dos extraordinarios músicos, Juan Carlos Calderón y Gian Piero Reverberi. Del primero de ellos es el complejo y raro compás en seis por cuatro sobre el que esta inmensa canción se sostiene. La sobrenatural inspiración en la letra y melodía de Joan Manuel Serrat está envuelta en delicados, armoniosos y cálidos arreglos, una de las canciones más importantes de nuestro pop, reconocida dentro y fuera de nuestras fronteras. Por ejemplo, la revista especializada Rolling Stone la considera como la mejor canción en español, y por una vez estoy de acuerdo con la revista reina del topicazo. Mediterráneo da título al álbum en el que está incluída, junto con otro soberbio grupo de canciones que encumbraron definitivamente a Serrat - corría el año 1971 - como uno de los más grandes cantautores en habla hispana. Un himno a la libertad, a la belleza, a la tierra querida, a los aromas recordados, al color y al sonido. 


Franco Battiato - Nomadi


De las cintas de cassette con versiones de canciones pop que se vendían en las gasolineras y las secuencias de piano repetidas ad nauseam hasta convertirse en uno de los grandes de la canción, no ya italiana, sino universal, Franco Battiato ha experimentado múltiples etapas en su ya larga carrera. Nomadi - o Nómadas, en la versión española - pertenece a tal vez su etapa de mayor popularidad. Es cierto que la música de los ochenta no ha resistido demasiado bien el paso del tiempo: ese sonido genérico bruñido con papel de lija, el jovial abuso de los sintetizadores, esas baterías tan whoosssshh y tan toumppffff, por no hablar del puto saxofón. Nomadi no se deja llevar por esa estética, al menos en parte. Además de sus excelentes e inspiradas melodía y letra - la búsqueda de la identidad, la soledad, la experiencia de sentirse lejos del hogar, la necesidad de encontrarse con el propio ser -, todo el conjunto, la armonía y la delicadeza de esta canción la convierten en algo inspirador y profundo. Imposible escucharla sin conmoverse, sin sentirse transportado a otro lugar, buscando la dimensión insondable. 




Hasta aquí esta pequeña muestra. Está claro que hubiera añadido treinta, cuarenta, cincuenta canciones más, pero en algún momento había que pararse. Quedaron fuera Led Zeppelin, Stevie Wonder, Edith Piaf, The Who, The Shadows, Mike Oldfield, Radiohead, Goldfrapp, Dire Straits, Focus, The Eagles, A.C.T., Simon & Garfunkel, Bob Dylan, Jorge Drexler y tantísimos otros. ¿Cuales son vuestras canciones? Serán fruto de vuestra experiencia personal, de vuestros gustos estéticos, de vuestra forma de ser y de ver el mundo y la música. En todo caso, es toda una sensación pensar y escribir sobre tus mejores canciones. Aquellas que te acompañan a lo largo de tu vida y que, de alguna manera, forman parte de ti.




lunes, 23 de junio de 2014

Franco Battiato y Antony - Del Suo Veloce Volo

Normalmente no soy amigo de los discos en directo, creo que no llegan a plasmar la intensidad y la vibración que toda música en directo transmite (o debería transmitir), quedando muchas veces en un pálido reflejo del original en directo, aunque soy consciente de su importancia y de los notables trabajos que se han publicado en este sentido. Sin embargo, en este caso si quiero hacer una excepción, pues este disco, publicado en 2.013 bajo el sello Universal y grabado en el Teatro Arena de Verona, Italia, es un raro ejemplo para mí. Si bien partimos de un extraño maridaje de artistas (a priori, Battiato y Antony no parecen ser fácilmente combinables), lo cierto es que hay una gran química que empapa todo el disco. Además, desde el punto de vista artístico, el álbum es brillante. Una orquesta más una banda de rock. Una selección de temas muy acertada, arreglos cuidados, extraordinariamente interpretados, gran producción y grabación... todo al servicio de estos dos artistas que brillan a un gran nivel. 

En realidad no es una mezcla homogénea, ya que, a grandes rasgos, puede decirse que el álbum está dividido en dos partes, la primera dedicada a Antony, la segunda, a Battiato, aunque no sea una división perfecta. El álbum comienza con una excelente adaptación de Cripple and the Starfish, que Antony canta con su bella y ambigua voz. La orquesta pone un punto dramático, los arreglos son deliciosos - como todos los que interpreta la orquesta - y el resultado es emocionante, lleno de vida y vibraciones. For Today I Am a Boy, el corte que sigue, comienza con la voz de Antony y poco más. No es preciso un gran acompañamiento, pues la voz de Antony aguanta perfectamente en el escenario, en vivo y desnuda. De hecho, la parte que corresponde a Antony es más orquestal que la de Battiato, que se apoya más en la banda de rock.



Cripple and the Starfish

You are my Sister es una bella canción cantada a dúo por los dos cantantes. Un tema emotivo, de preciosa melodía. Las dos voces, aunque esencialmente distintas, se mezclan a la perfección. La orquesta acompaña con sutiles arreglos, cediendo protagonismo a las voces... Después irrumpe Il Re del Mondo, una oscura y relativamente poco conocida canción de Battiato, que usa la banda de rock y también la orquesta, combinando ambas con maestría... Es realmente impresionante como el conjunto adquiere una gran brillantez, sin duda la dirección artística es impecable. Crazy in Love retoma los suaves toques de piano y la dulzura de las maderas, un tema que, junto con Hope there's Someone, tal vez sea de las canciones más populares de Antony en nuestro país. Resulta muy destacable como se alza la peculiar voz de Antony sobre el conjunto de instrumentos, como vibra, como sube y baja sin aparente esfuerzo, como mantiene las notas sin vacilaciones, sin quiebras ni fallas. Una gran voz.

Como adelanté, Battiato adquiere el protagonismo en la "segunda mitad" del álbum. Se hace acompañar por Alice, la excelente vocalista italiana con la que durante tantos años ha colaborado. La Realtà non esiste es, digamos, la primera canción de esta segunda parte, primero con la orquesta, después suman la banda de rock. Ambos artistas mano a mano, demostrando una vez más que su simbiosis es perfecta, y que por algo ambos nombres han estado, en muchas ocasiones, indisolublemente unidos. Sigue una absolutamente luminosa versión de I Treni di Tozeur, para mí el mejor corte del álbum, con todos los respetos para el resto... La hermosa canción de Battiato revive con nuevas fuerzas gracias a una energética interpretación, maravillosamente cantada por el dúo y tocada por los excelentes músicos. Una delicia llena de pasión y fuerza. Algo similar sucede con E ti Vengo a Cercare, una profunda y poética canción renacida por el brío de la interpretación, adaptada con maestría para este álbum. Después uno de los típicos medleys de Battiato, con dos himnos clásicos del italiano correspondientes tal vez a su época de mayor popularidad, Bandiera Bianca y Up Patriots to Arms, dos de los temas más reivindicativos de sus ya de por sí inconformistas letras. 



I Treni di Tozeur

En definitiva, Del Suo Veloce Volo es un álbum perfecto para redescubrir el arte de ambos cantantes gracias a un puñado de canciones de impecable factura y excelentes interpretaciones de todos los que intervienen en él. Un álbum para disfrutar en tu búnker. Baja las luces y ponte cómodo. 




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